Das Filmfestival Fribourg zeichnet sich traditionell dadurch aus, dass es Werke aus kleinen und exotischen Filmländern präsentiert. Heuer wird das starke Filmprogramm (den Abschluss macht der frisch Oscar-gekrönte Krimi El secreto de sus ojos) mit einem Schwerpunkt zum Thema Serien ergänzt.
Gezeigt und von den Machern persönlich vorgestellt werden mehrere Produktionen aus dem Nahen Osten, darunter BeTipul, das israelische Original der HBO-Produktion In Treatment, die letzten Sommer auf SF zwei zu sehen war. Ebenfalls aus Israel, aber ganz anders geartet ist die Comedy-Serie Avoda aravit, deren Protagonist, ein arabischer Journalist, zwischen Integration in der israelischen Gesellschaft, Selbstbehauptung und Rebellion schwankt.
Ebenfalls im Programm: Eine saudische Comedy-Serie um junge Möchtegern-Stars im Clinch mit gestrengen Sittenrichtern, eine syrische Produktion um einen modernen Robin Hood sowie eine Emanzipationsfabel aus einem israelischen Friseursalon. Am 18. März findet überdies eine Podiumsveranstaltung statt, welche sich insbesondere mit der Situation der Serien in der Schweiz befasst.
Auch wer sich sonst nicht zu den Hardcore-Fans von Drittweltkino zählt, hat heute guten Grund, nach Fribourg zu fahren.
In diesem Blog war auch schon davon die Rede, dass es in unserem Zeitalter der Medienkrise sowie der Jekami-Diskussionen im Internet um die Filmkritik immer schlechter steht. Die Zeitungen kürzen drastisch die Honorare für freie Mitarbeiter, und gestandene Redakteure werden frühpensioniert, um dann zu schlechteren Bedingungen doch weiterbeschäftigt zu werden (z.B. Christoph Egger bei der NZZ).
In den USA steht es noch schlimmer. Roger Ebert ist zwar körperlich schwer angegriffen, schreibt aber nach wie vor allen um die Ohren. Bisher ist das alles unentgeltlich zu lesen, aber seit man bei der Chicago Sun-Times auch den Gürtel enger schnallt, erwägt er, zumindest einen Teil seines enormen Outputs nur noch für zahlende Leser zugänglich zu machen, wie er in seinem Blog schreibt.
Einen weiteren Blog-Eintrag widmet Ebert ganz zu Recht einer Tirade gegen das Branchenblatt Variety und einer Hymne auf seinen Kollegen Todd McCarthy. Letzterer war 31 Jahre lang als Kritiker bei Variety tätig, seit vielen Jahren als Chefkritiker. Alle großen Filme wurden von ihm besprochen, zuhanden der Branche, und McCarthy schrieb immer klar und differenziert. Als einer jener Kritiker, die neue Filme vor allen anderen zu sehen bekamen, war er in aller Regel unvoreingenommen und unbeeinflusst, galt aber seinerseits für viele KollegInnen als Referenz.
Nun sind McCarthy und sein ähnlich angesehener Kollege Derek Elley von Variety geschasst worden, weil man sich die beiden in diesen wirtschaftlich schweren Zeiten nicht mehr leisten könne. So stellt sich einmal mehr die Frage, ob sich unsere Welt überhaupt noch eine solide, fundierte und kundige Filmkritik leisten will. Fürs Erste schließe ich mich aber Eberts Fazit an: Wenn Variety einen Todd McCarthy nicht mehr als Kritiker braucht, braucht es auch mich nicht mehr als Leser.
An der gestrigen Verleihung des Schweizer Filmpreises Quartz 2010 wurde in mehrfacher Hinsicht versucht, den Röstigraben wenigstens auf der Ebene des Filmschaffens zuzuschütten bzw. vergessen zu machen. Die Schweizer Filmakademie, die sich aus rund 250 Filmschaffenden aller Sprachregionen zusammensetzt und deren deutschsprachige Mitglieder aus demographischen Gründen freilich überwiegen, hat die meisten Auszeichnungen an Filme aus der Romandie verliehen.
Kein Wunder also ließ sich Séverine Cornamusaz, deren Erstling Coeur animal nicht nur als Bester Spielfilm ausgezeichnet wurde, sondern auch den Preis für den besten Darsteller (Antonio Buil) einheimste, zum "ersten schweizerdeutschen Satz" ihres Lebens hinreißen; sie sprach "tütschi Schwyzer" an und dankte ihnen für ihre Stimmen.
Auch Didier Burkhalter, neu oberster Kulturförderer der Schweiz, und Frédéric Maire, als Cinémathèque-Chef Hüter des audiovisuellen Erbes der Eidgenossenschaft, luden zu sprachregionalen Grenzüberschreitungen ein. Drittens beschworen Vertreter älterer Generationen den Geist eines gesamtschweizerischen Films. Claude Goretta, der einen Ehrenpreis erhielt, erinnerte daran, dass das "Nouveau cinéma suisse" der 60er und 70er Jahre, das er mit Filmen wie L'invitation und Pas si méchant que ça wesentlich mitprägte, in der Deutschschweiz ähnlich begeistert aufgenommen wurde wie in der Romandie.
Franz Schnyder schließlich, dessen 100. Geburtstag SF derzeit mit einer Filmreihe und einer ziemlich einmaligen Webseite feiert, sagte in einer Einspielung aus dem Dokumentarfilm FRS, er habe mit den Uli-Filmen eine Million Schweizer ins Kino gebracht, und diese Zahl müsse man schon erreichen, wenn man von einem erfolgreichen Schweizer Film sprechen wolle.
Angesichts der durch Fernsehen, Video und Internet erodierenden Besucherzahlen von heute mutet Schnyders Vorgabe freilich exotisch und unerreichbar an; einzig Rolf Lyssys Die Schweizermacher ist über die Jahre in diese Liga vorgestoßen, und der nächst erfolgreiche Schweizerfilm, Bettina Oberlis Die Herbstzeitlosen, durfte unlängst mit knapp 600 000 Besuchern als Sensation gelten. Es ist jedoch zu hoffen, dass einige der Quartz-prämierten (und -nominierten) Werke beidseits des Röstigrabens auf Beifall stoßen werden. So gut wie die meisten Hollywood-Produkte, die schweizweit die Kinosäle verstopfen, sind sie allemal.
Wer es unter dem iranischen Regime wagt, systemkritische Filme zu drehen, lebt gefährlich. Jafar Panahi hat bereits 2000 in "Dayereh - Le cercle" schwierige Frauenschicksale und das Tabu der Prostitution thematisiert; in "Offside" (2006) veranschaulichte er die Unterdrückung der Frauen auf ironischere Weise anhand einer Schar weiblicher Fußballfans, die das Spiel Iran-Bahrain sehen wollen, obschon ihnen der Zutritt zum Stadion verboten ist.
Nix mit Nordkurve
Nun ist Jafar Panahi selbst böse ins Abseits geraten; als prominenter Oppositioneller ist er unter fadenscheinigen Vorwänden festgenommen worden. Die Filmwelt protestiert, die Diplomatie setzt sich für den beherzten Cineasten ein; ob das fruchtet und ob Panahi selbst nach einer Freilassung weiterhin dem Regime Ahmadinejad ein Dorn im Fleisch sein kann, ist offen.
SF 1 zeigt "Offside" noch einmal in der Nacht vom Donnerstag, dem 11. März.
Die Hiobsbotschaften häufen sich: Der Marktanteil des Schweizer Films in den Kinos schwindet, die Jungen sehen sich kaum noch Arthouse-Filme an, Mainstream-Kost in Synchronfassung verdrängt untertitelte Originalversionen aus einst cinephilen Sälen.
Einer der Orte, wo solchen Entwicklungen etwas entgegengesetzt wird, ist - nein, diesmal nicht "Delikatessen" - das wichtigste Festival für Schweizer NachwuchsfilmerInnen:
Die Schweizer Jugendfilmtage finden heuer vom 10. bis 14. März im Theater der Künste an der Gessnerallee in Zürich statt. Aus über 250 eingesandten Filmen werden deren 60 gezeigt, die in fünf Kategorien um die Auszeichnung mit einem "Panther" ringen. Daneben gibt es ein Rahmenprogramm aus Workshops und Kursen statt.
Wer sich also für neue Perspektiven im in- und ausländischen Filmschaffen interessiert und/oder selber Filme macht und seine cineastischen Fähigkeiten verbessern will, sollte diese Veranstaltung nicht verpassen.
Die gute Nachricht vorweg: Die neue Disney-Verfilmung von Alice in Wonderland hat mit der niedlichen Trickfilmversion von 1951 etwa so viel gemeinsam wie GoodFellas mit Bugsy Malone. Tatsächlich gab es viel Grund zur Hoffnung, als zu hören war, Tim Burton würde sich dieses Klassikers der absurden Nichtnurkinder-Literatur annehmen. Immerhin ist er selbst einer der stetigsten Schöpfer schrulliger Mären im Filmgeschäft, sei es aus der Mitte der Industrie heraus oder an deren Randbezirken. Und so gibt es in seiner Quasi-Adaption denn auch viele Elemente und Momente, die das Herz des Carrollianers erfreuen, wo sich die schräge pseudoviktorianische Gruselästhetik des Möchtegern-Briten Burton mit der verkorksten Sensibilität des viktorianischen Mathematikers, Fotografen und Geistlichen Charles Lutwidge Dodgson deckt oder gar mit ihr vermählt und kongeniales Neues erzeugt.
Gerade bei der Besetzung hatte Burton wie so oft eine gute Hand: Die Hauptdarstellerin Mia Wasikowska (SF-Serienfans bekannt als Sophie aus In Treatment) verleiht der 19 Jahre alt gewordenen Alice jene Mischung aus Naivität und Widerborstigkeit, die Carrolls Heldin ausmachte. (Ja, dieser Film ist keine 1:1-Verfilmung der beiden Alice-Bücher, sondern eine Art Sequel, das einsetzt, als Alice, die ihre einstigen Erlebnisse im Wunderland für bloße Kindheitsträume hält, vor ihrer anstehenden Verlobung mit einem Pinsel flieht und, erneut durchs Kaninchenloch gestürzt, in neue Abenteuer mit alten Bekannten verstrickt wird.) Kaum zu erkennen ist Johnny Depp als struwwelpeteriger, grünäugiger Mad Hatter, während Helena Bonham Carter der wasserköpfigen Roten Königin ihre ganze blasse Boshaftigkeit einverleibt. Anne Hathaway nimmt als ausgebleichte Weiße Königin ihr Image aus The Princess Diaries auf die Schippe, und Matt Lucas aus Little Britain macht sich als dickes Deppenpaar Tweedledum und Tweedledee für einmal selber das Leben schwer. Hübsch (im Original) auch die Stimmen von Alan Rickman (als weise, shishaschmauchende Raupe) und Stephen Fry als Cheshire Cat.
Aber.
Bei diesem Projekt haben nicht nur Carroll (passiv) und Burton mitgewirkt; das Drehbuch stammt von Linda Woolverton, die bei Disney für Skripts zu Beauty and the Beast und The Lion King gezeichnet hat. Von ihr stammt denn auch der Impetus, die konsequent unlogische, traumähnliche Welt der Alice-Bücher in die lineare und allzu logische Dramaturgie eines Fantasy-Epos hineinzuzwängen. Alice wird zur unfreiwilligen, schwertschwingenden Retterin von "Underland", wie das Carroll'sche Reich hier heißt; sie muss im Namen der Unterdrückten gegen die böse Rote Königin kämpfen, die einen - hinzuerfundenen - einäugigen, narbengesichtigen Schergen namens Ilosovic Stayne (aus Serbien zugewandert?) beschäftigt und das Ungeheuer Jabberwock (das bei Carroll nur in einem eingebetteten Pseudo-Heldengedicht auftaucht und in der Übersetzung von Christian Enzensberger als Zipferlak wiedergegeben wird) zur Verheerung des Landes und zur Vernichtung ihrer Feinde abgerichtet hat; das Biest spricht im Film sogar (immerhin mit der Bassstimme von Christopher Lee). Ein Hund darf bei Disney auch nicht fehlen, also wird ein Bluthund namens Bayard dazugedichtet, der von den Bösen ebenso zu Alices Fraktion überläuft wie der monströse Bandersnatch (bei Enzensberger: Schnatterrind). Überhaupt kriegen so ziemlich alle Figuren einen Namen (vermutlich zur Erleichterung der Vermarktung), der Carrolls sprachlicher Ästhetik völlig zuwiderläuft. Ärgerlich auch, dass zwischen Jabberwock (Monster) und Jabberwocky (Epos über das Monster) nicht unterschieden wird. OK, das mag spitzfindig anmuten, doch der Klang von Carrolls Wortschöpfungen ist wichtig, denn enthalten tun sie nur Unsinn.
So ist denn der Gesamteindruck durchwachsen. Visuell ist das 3D-Ding spektakulär, abgesehen von einigen erstaunlich mäßigen CGI-Effekten sowie ein paar farblichen Ausrutschern (der Carrot-Top-Fritte des Mad Hatter und den türkisen Streifen der Cheshire Cat etwa); Story und Figurenzeichnung sind bisweilen schmerzhaft, und Burtons Stammkomponist Danny Elfman hätte sich einen grausigen musikalischen Anachronismus - eine Disco-Einlage für Johnny Depp - verkneifen sollen. Mit etwas Glück aber behält man vor allem die gelungenen Teile in Erinnerung; der Rest ist nur ein böser Traum.
Am 5. März zeigt SF 1 exklusiv und als Schweizer Premiere den jüngsten Kinofilm von Peter Greenaway: Nightwatching, gedreht aus Anlass des 400. Geburtstags des Malers Rembrandt Harmenszoon van Rijn im Jahre 2006, schildert die Entstehungsgeschichte seines berühmtesten Werks: In "Die Nachtwache", seinem Gruppenbild der Bürgerwehr von Amsterdam, verschlüsselt Rembrandt Hinweise auf ein mörderisches Komplott machthungriger Mitglieder dieser Miliz. Greenaway zeigt den Künstler - glänzend gespielt vom Komiker Martin Freeman - als widerwilligen Hofmaler einer Hautevolee, die ihn nie als einen der Ihren akzeptierte und als Lebemann in einem Haushalt voller Frauen, die über sein Schicksal bestimmten.
Greenaway inszeniert Nightwatching (r. Agata Buzek als Titia)
Malerei steht in Greenaways Werk nicht zum ersten Mal im Mittelpunkt. Der 1942 geborene Cineast fing selbst als Kunstmaler an, und schon sein erster Spielfilmerfolg, The Draughtsman's Contract (1982), handelte von einem Zeichner, in dessen Bildern sich Hinweise auf Verbrechen verbergen. Auch The Cook, the Thief, His Wife and Her Lover" (1989) war von Malerei inspiriert, indem Greenaway diese Moritat über Machthunger und Gier als Folge farbiger Tableaux vivants inszenierte. SF 1 zeigt diesen Film noch einmal am 26. Februar.
Greenaway wettert zwar gerne über den Umstand, dass das Kino bloss "illustrierter Text" sei und dass unsere Zivilisation nie gelernt habe, Bilder zu lesen. Doch auch wenn er selbst die visuelle Ebene seiner Werke mit Symbolen und Anspielungen anreichert und sein Publikum damit herausfordert, so ist er doch auch ein begnadeter Erzähler und Sprachkünstler. Als Kostprobe von Greenaways Schreibe, die seine einzigartige Sichtweise zum Ausdruck bringt, ist hier - mit freundlicher Genehmigung des Autors - ein Auszug aus seinem Drehbuch zu The Cook, the Thief, His Wife and Her Lover zu sehen, weiland übersetzt von meiner Wenigkeit. Am selben Ort findet sich ein kurzes Interview mit Greenaway über The Cook..., das 1996 als Einleitung für eine Ausstrahlung des Films in "Delikatessen" aufgezeichnet wurde.
Wer wissen will, wie intelligent und hintergründig Kino sein kann, ist bei Greenaway an der richtigen Adresse.
Die Berlinale ist natürlich noch in vollem Gange, im Europäischen Filmmarkt werden aber bereits die Zelte abgebrochen. Produzenten, Einkäufer, Rechtehändler und Verleiher haben ihre Geschäfte gemacht und so beginnt für viele schon wieder der wehmütige Abschied vom Festivalleben.
Als Einkäuferin hat man während der Berlinale nicht nur die Qual der Wahl zwischen 400 Festivalfilmen, nein, man könnte sich in der ersten Festivalwochen zusätzlich noch TÄGLICH 160 Filme anschauen, die nur im Markt gezeigt werden. Schwierig, sich da einen Überblick zu verschaffen. Doch nun ist die grosse Hektik vorbei und man kann sich zum Schluss nochmals ganz dem Festival widmen.
Der Wettbewerb hat nämlich inzwischen an Schwung gewonnen. Im deutschen Beitrag «Der Räuber» von Benjamin Heisenberg, der auf einer wahren Geschichte beruht, gewinnt Bankräuber Johann Rettenberger, kaum aus der Haft entlassen, den Wiener Stadtmarathon. Doch das Adrenalin des Langstreckenläufers ist ihm nicht genug, er muss auch weiter Banken überfallen. Ein anderer Ex-Häftling spielt Stellan Skarsgård im norwegischen Wettbewerbsbeitrag «A Somewhat Gentle Man», der einem mit leisem, lakonischem Humor immer wieder an die Filme von Aki Kaurismäki erinnert. Als Favorit für den Goldenen Bären gilt in der Presse aber momentan das türkische Drama «Bal» («Honey») von Semih Kaplanoglu - der letzte Teil einer Trilogie - das in wunderbar komponierten Bildern sehr wortkarg von einem noch wortkargeren kleinen Jungen, seinem Vater und wildem Honig erzählt. Live sah man den kleinen Hauptdarsteller dieses Filmes um einiges aufgeregter im Berlinale Palast herumflitzen.
Sicher amüsanter als «Bal» war Lisa Cholodenkos «The Kids Are All Right», in dem Julianne Moore und Annette Bening umwerfend ein lesbisches Ehepaar spielen, das mit dem attraktiven Samenspender (Mark Ruffalo) ihrer beiden Kinder konfrontiert wird. Mark Ruffalo konnte nach Scorseses «Shutter Island» also bereits ein zweites Mal über den roten Berlinale-Teppich schreiten. Allerdings laufen beide Filme mit ihm ausser Konkurrenz.
Richtig heimelig wurde es gestern für Berliner im Friedrichstadtpalast, wo die Komödie «Boxhagener Platz» mit der ganzen Crew Premiere feierte. Gudrun Ritter gibt darin die resolute Oma Otti, die gerade ihren sechsten Ehemann beerdigt. In diesem rührenden Heimatfilm aus dem Berliner Ostbezirk Friedrichshain sind auch Meret Becker, Horst Krause und Jürgen Vogel zu sehen. Nach der Premiere wurde ganz stilecht im charmant heruntergekommenen Saal von «Clärchens Ballhaus» in Mitte weitergefeiert.
An der diesjährigen Berlinale ist solides Schuhwerk gefragt, ansonsten wird der Potsdamer Platz zur Rutschpartie. Die Stars und Sternchen werden in ihren High Heels aber natürlich von den schwarzen Limousinen direkt an den roten Teppich gefahren. Frieren müssen sie im garstigen Berliner Winter trotzdem, wenn sie in Abendgarderobe geduldig vor den Fotografen posieren und Autogramme an die Fans verteilen.
Und es war schon eine ganze Menge Hollywood-Prominenz hier: Leonardo DiCaprio, Pierce Brosnan, Sir Ben Kingsley und als Jury-Mitglied Renée Zellweger. Roman Polanskis eleganter Thriller „The Ghost Writer" und Martin Scorseses Psycho-Horror „Shutter Island" gehören zwar nicht zu den Meisterwerken dieser grossen Regisseure, sorgten aber für einen sehr hohen Glamour-Faktor. Wenn es einem dann gelingt, eines dieser begehrten Premiere-Tickets zu ergattern, sitzt man also nicht nur mitten in der versammelten deutschen Filmprominenz, sondern merkt auch plötzlich, dass man einem Ben Stiller die Sicht auf die Leinwand verdeckt. Der hat hier bereits seine launige Loser-Komödie „Greenberg" vorgestellt. Filmische Entdeckungen liessen sich bisher weniger im Wettbewerb, sondern viel mehr in den Nebensektionen machen. Im Forum wird heute Abend das hammerharte US-Provinz-Drama „Winter's Bone" gezeigt, das bei Verleihern und Einkäufern schon im Vorfeld für Furore sorgte. Mein Kollege Simon Kern hat darüber bereits aus Sundance berichtet. Nun steigen hoffentlich die Chancen, dass es dieser beeindruckende Independent-Film auch bei uns ins Kino schafft. In der Festival-Sektion Panorama war der finnische Beitrag „Bad Family" zu sehen, in dem ein gestrenger Richter seinen Sohn quasi in den Inzest treibt. Oder der von Alejandro Amenábar produzierte Esoterik-Thriller „El mal ajeno", in dem überraschenderweise ein alter Bekannter auftaucht: Der Westschweizer Schauspieler Carlos Leal muss zwar bereits in den ersten fünf Filmminuten sterben, baut aber seine Rolle in Rückblenden aus. Der ehemalige „Sens Unik"-Rapper aus Lausanne scheint nun also auch in Spanien Karriere zu machen.
"Ein Komiker soll die Leute nicht zum Lachen bringen, sondern zum Denken." Dieser schöne Satz stammt von Ricky Gervais, Star und Schöpfer der Urversion von "The Office" und der filmpersiflierenden Serie "Extras", die öfter mal auf SF zwei zu sehen ist.
Gervais hat sich auch in den letzten Jahren auch im Kino versucht, sei es in einer Nebenrolle im schrägen Fantasyfilm "Stardust" oder auch als Hauptdarsteller der etwas zu netten Komödie "Ghost Town".
Seine Stärke als Satiriker spielt Gervais in seinem Regiedebüt aus, das leider bei uns offenbar nicht ins Kino kommt, aber auf DVD greifbar ist: "The Invention of Lying" ist vom Plot her eine romantische Komödie, in welcher der dickliche, stupsnasige Gervais versucht, die bildhübsche Jennifer Garner zu erobern. Der Clou dabei: Der Film spielt in einer Welt, wo die Menschen nie das Lügen erlernt haben und sich gegenseitig alle unschönen Wahrheiten um die Ohren hauen. So auch die Garner, die Gervais klar macht, dass er bei ihr keine Chancen hat, weil er in genetischer Hinsicht weniger zu bieten hat als sein Nebenbuhler, gespielt von Schönling Rob Lowe. Neben einigen cleveren Einfällen zum Thema Fiktion (das gibts in dieser Welt freilich auch nicht, was das Filmgeschäft etwas dröge macht) widmet sich Gervais' sarkastische Fabel auch der Frage der Religion. Der Protagonist Mark lernt nämlich als erster Mensch lügen und macht seiner sterbenden Mutter weis, nach dem Tod werde sie an einen schönen Ort kommen und andere Verstorbene wiedersehen. Und unversehens wird der Antiheld zum - ersten - Stifter einer Religion. Versteht sich, dass dieser Film in den mehrheitlich konservativ religiösen USA nicht eben zum Kassenschlager avanciert ist; wo Glauben selig macht, ist Denken unbeliebt.
Ähnlich anregend wie Gervais' Film ist eine Rede seines Komikerkollegen Stephen Fry, der unlängst am Londoner Debattierforum "Intelligence Squared" aufgetreten ist. Fry äußerst sich zum Thema, ob die Katholische Kirche in der Welt einen guten Einfluss darstelle. So schief seine Nase, so geradlinig ist Frys Logik, mit welcher er demonstriert, dass der Vatikan sich nach wie vor an Dogmen hält, die gerade den Armen und Schwachen auf dieser Welt wenig Gutes verheißen. Das ist nicht nur lustig und klug, es ist auch sehr bewegend.
kulturplatz-Blog mit Christoph Marti, auch bekannt als Ursli Pfister
